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Sky in the painting

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대부분의 야외 그림은 하늘이 그려져있다. 우리가 그냥 지나칠수있었던 푸르른 하늘, 비오는날의 어두운 하늘, 늦은밤 캄캄한 어두운 하늘 등 이는 가장 큰 배경이되며 그 작품의 가장 중요한 분위기를 결정하는 요소이다. 하늘이 그림에 반영하는 분위기가 보여지는 그림을 모아 설명하고자 한다.
구름이 있는 하늘의 가을 숲 (Bois en automne avec ciel nuageux) 데포르트 르 페르 작품.     너무나 아름답고 평화로운 기분이다.

구름이 있는 하늘의 가을 숲 (Bois en automne avec ciel nuageux) 데포르트 르 페르 작품. 너무나 아름답고 평화로운 기분이다.

짙은 흰 구름과 회색 구름이 덮힌 하늘 습작 (Etude de ciel avec gros nuages blancs et gris)

짙은 흰 구름과 회색 구름이 덮힌 하늘 습작 (Etude de ciel avec gros nuages blancs et gris)

빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 《별이 빛나는 밤》은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 《밤의 카페 테라스》나 《론 강 위로 별이 빛나는 밤》에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다.  술에 취한듯 밤에 취한듯 어지러운듯하지만 기분좋은 밤을 느끼게끔 하는 아름다운 밤을 묘사해주는 멋진 하늘이다.

빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 《별이 빛나는 밤》은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 《밤의 카페 테라스》나 《론 강 위로 별이 빛나는 밤》에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다. 술에 취한듯 밤에 취한듯 어지러운듯하지만 기분좋은 밤을 느끼게끔 하는 아름다운 밤을 묘사해주는 멋진 하늘이다.

퀴리날리스 하늘 습작 (Etude de ciel au Quirinal) 피에르 앙리 드 발랑시엔(Pierre-Henri de Valenciennes)

퀴리날리스 하늘 습작 (Etude de ciel au Quirinal) 피에르 앙리 드 발랑시엔(Pierre-Henri de Valenciennes)

1820년대 초부터 존 컨스터블은 시간과 장소에 따른 빛과 대기의 효과와 그 차이를 세심하게 고려하여 하늘을 연구하기 시작했다. ‘하늘 만들기’라 명명된 이 연구는 경험주의적으로 ‘자연 철학의 한 분파인 동시에 자연의 법칙을 탐구하는 과학적 세계관’을 보여주는 중요한 자료라고 할 수 있다. 컨스터블에게 있어서 자연의 이면을 관찰하는 것은 그림을 그리기 위한 것이자, 나아가 자신의 감정을 표출하기 위한 것이었다. 즉 “그림의 주요한 지점과 비율의 기준, 그리고 감정의 주된 기관”을 전달하기 위한 것이었다. 1828년 아내의 죽음으로 그는 내면의 고뇌와 삶의 혼돈까지도 자연의 명암효과로 표현했다. 한줄기의 빛도 비춰지지않는 고독함을 표현했으며, 장엄한 어둠이 느껴진다.

1820년대 초부터 존 컨스터블은 시간과 장소에 따른 빛과 대기의 효과와 그 차이를 세심하게 고려하여 하늘을 연구하기 시작했다. ‘하늘 만들기’라 명명된 이 연구는 경험주의적으로 ‘자연 철학의 한 분파인 동시에 자연의 법칙을 탐구하는 과학적 세계관’을 보여주는 중요한 자료라고 할 수 있다. 컨스터블에게 있어서 자연의 이면을 관찰하는 것은 그림을 그리기 위한 것이자, 나아가 자신의 감정을 표출하기 위한 것이었다. 즉 “그림의 주요한 지점과 비율의 기준, 그리고 감정의 주된 기관”을 전달하기 위한 것이었다. 1828년 아내의 죽음으로 그는 내면의 고뇌와 삶의 혼돈까지도 자연의 명암효과로 표현했다. 한줄기의 빛도 비춰지지않는 고독함을 표현했으며, 장엄한 어둠이 느껴진다.

1787년 피에르 앙리 드 발랑시엔은 살롱전에 그의 야심이 담긴 풍경화 두 점을 전시하였다. 여기에서 그는 관중들에게 그의 신고전주의적인 개념을 선보이고 싶었다. 《아그리장트의 옛 마을》은 이 두 작품들 중 하나로 오랜 기간의 작업에 걸쳐 제작되었다. 이 그림은 그의 작업에서 중요한 개념들인 고전적인 주제들의 환기, 이상적인 자연의 완전한 형식, 빛의 조화로운 처리, 푸생(Poussin)과 카라치(Carrache) 그리고 클로드 젤레(Claude Gellée)를 연상시키는 직접적인 증거를 완벽하게 나타내고 있다.   그들은 이곳에 오는 외국인들을 주인의 집으로 유인할 목적이었다. 그렇기 때문에 그들은 주인에 의해 외국인의 노예들을 잡기 위해 배치되었다." 이 설명대로 그림의 왼쪽 하단에 위치해 있는 세 명의 등장인물들은 아그리장트 주민들의 손님을 환대하는 모습을 화려하고 웅장한 하늘이 느낌을 더해준다.

1787년 피에르 앙리 드 발랑시엔은 살롱전에 그의 야심이 담긴 풍경화 두 점을 전시하였다. 여기에서 그는 관중들에게 그의 신고전주의적인 개념을 선보이고 싶었다. 《아그리장트의 옛 마을》은 이 두 작품들 중 하나로 오랜 기간의 작업에 걸쳐 제작되었다. 이 그림은 그의 작업에서 중요한 개념들인 고전적인 주제들의 환기, 이상적인 자연의 완전한 형식, 빛의 조화로운 처리, 푸생(Poussin)과 카라치(Carrache) 그리고 클로드 젤레(Claude Gellée)를 연상시키는 직접적인 증거를 완벽하게 나타내고 있다. 그들은 이곳에 오는 외국인들을 주인의 집으로 유인할 목적이었다. 그렇기 때문에 그들은 주인에 의해 외국인의 노예들을 잡기 위해 배치되었다." 이 설명대로 그림의 왼쪽 하단에 위치해 있는 세 명의 등장인물들은 아그리장트 주민들의 손님을 환대하는 모습을 화려하고 웅장한 하늘이 느낌을 더해준다.

발렌시엔느는 풍경에 대해서 두 가지 범주를 명확하게 구분하고 있었다. 이는 그에 대한 여러 이론적 논의를 통해서 알 수 있는데, 예술가이자 비평가인 로제 드 필(Roger de Piles)이 썼던 논평을 참고해볼 수 있다. 발렌시엔느는 푸생(Nicolas Poussin)과 클로드 글레(Claude Gallée)에서 근거한 풍경에 대한 고전적인 개념을 따르면서, 다음과 같이 두 개념을 설정하였다. ""첫 번째 범주는 자연이 무엇인지를 우리로 하여금 보게끔 하고, 이를 통하여 자연을 가능한 한 가장 충실하게 그리도록 하는 것을 말한다. 두 번째 범주는 자연이 무엇이 될 수 있는 지에 관해 우리로 하여금 보도록 만들고, 또한 상상력으로 인해 아름답게 자연을 만들어, 이를 우리의 눈을 통하여 그리는 것을 말한다."" 발렌시엔느는 그의 개인적인 작품에서 이러한 정의를 조심스레 따랐다. 이  작품은 야외를 체계적으로 관찰, 주관적인 방식으로 자연을 묘사하면서, 상상적인 풍경을 완성하고…

발렌시엔느는 풍경에 대해서 두 가지 범주를 명확하게 구분하고 있었다. 이는 그에 대한 여러 이론적 논의를 통해서 알 수 있는데, 예술가이자 비평가인 로제 드 필(Roger de Piles)이 썼던 논평을 참고해볼 수 있다. 발렌시엔느는 푸생(Nicolas Poussin)과 클로드 글레(Claude Gallée)에서 근거한 풍경에 대한 고전적인 개념을 따르면서, 다음과 같이 두 개념을 설정하였다. ""첫 번째 범주는 자연이 무엇인지를 우리로 하여금 보게끔 하고, 이를 통하여 자연을 가능한 한 가장 충실하게 그리도록 하는 것을 말한다. 두 번째 범주는 자연이 무엇이 될 수 있는 지에 관해 우리로 하여금 보도록 만들고, 또한 상상력으로 인해 아름답게 자연을 만들어, 이를 우리의 눈을 통하여 그리는 것을 말한다."" 발렌시엔느는 그의 개인적인 작품에서 이러한 정의를 조심스레 따랐다. 이 작품은 야외를 체계적으로 관찰, 주관적인 방식으로 자연을 묘사하면서, 상상적인 풍경을 완성하고…

레오나르도 다 빈치가 1503년경 피렌체에서 제작한 작가의 후기 작품이다. 등장 인물은 성 안나와 성모 마리아 그리고 아기 예수이며, 중앙에 정면을 향해 앉아있는 여인이 마리아의 모친 성 안나다. 어머니의 무릎에 앉아있는 성모 마리아는 양의 등을 타려는 아기 예수를 양과 떼어놓으려 하고 있다. 양은 그리스도가 십자가에 못 박혀 죽게 될 희생양의 상징으로서, 마리아의 행위는 아들을 험난한 운명으로부터 막고 싶은 모정의 표현이라 볼 수 있다. 성화를 인간적인 측면에서 접근하고 해석하려 한 작가의 르네상스 정신을 읽을 수 있는 부분이다. 그림의 구도는 피라미드형이다.  이들이 앉아있는 곳은 결코 순탄치 못할 아기의 운명을 예고하려는 듯, 아름다운 초원이 아니라 척박한 바위산이다. 그림의 배경은 마치 한 폭의 동양화를 그린 듯 안개가 자욱한 풍경이다. 아름다운하늘의 이미지와 스푸마토기법 덕분인지 따뜻해 보인다.

레오나르도 다 빈치가 1503년경 피렌체에서 제작한 작가의 후기 작품이다. 등장 인물은 성 안나와 성모 마리아 그리고 아기 예수이며, 중앙에 정면을 향해 앉아있는 여인이 마리아의 모친 성 안나다. 어머니의 무릎에 앉아있는 성모 마리아는 양의 등을 타려는 아기 예수를 양과 떼어놓으려 하고 있다. 양은 그리스도가 십자가에 못 박혀 죽게 될 희생양의 상징으로서, 마리아의 행위는 아들을 험난한 운명으로부터 막고 싶은 모정의 표현이라 볼 수 있다. 성화를 인간적인 측면에서 접근하고 해석하려 한 작가의 르네상스 정신을 읽을 수 있는 부분이다. 그림의 구도는 피라미드형이다. 이들이 앉아있는 곳은 결코 순탄치 못할 아기의 운명을 예고하려는 듯, 아름다운 초원이 아니라 척박한 바위산이다. 그림의 배경은 마치 한 폭의 동양화를 그린 듯 안개가 자욱한 풍경이다. 아름다운하늘의 이미지와 스푸마토기법 덕분인지 따뜻해 보인다.

클로드 모네(Claude Monet, 1840-1926)와 그의 부인 알리스(Alice Raingo Hoschedé Monet, ?-1911)는 1908년 베니스를 함께 여행하였다. 1892년 결혼한 이후 그들은 런던과 스페인 등 여러 지역을 여행하기를 즐겼다. 하지만 알리스의 건강이 악화되고, 모네 또한 68세를 넘긴 노년기였기 때문에, 베니스를 방문한 것이 그들에게는 마지막으로 함께 떠난 여행이었다. 모네는 베니스의 독특한 빛에 매료되었으며, 이곳을 여행하며 몇 가지의 연작을 제작하게 된다. 물에 반사되어 비춰진 하늘빛이 어두워보인다. 주인없는 곤돌라가 더욱더 외롭게 보여진다.

클로드 모네(Claude Monet, 1840-1926)와 그의 부인 알리스(Alice Raingo Hoschedé Monet, ?-1911)는 1908년 베니스를 함께 여행하였다. 1892년 결혼한 이후 그들은 런던과 스페인 등 여러 지역을 여행하기를 즐겼다. 하지만 알리스의 건강이 악화되고, 모네 또한 68세를 넘긴 노년기였기 때문에, 베니스를 방문한 것이 그들에게는 마지막으로 함께 떠난 여행이었다. 모네는 베니스의 독특한 빛에 매료되었으며, 이곳을 여행하며 몇 가지의 연작을 제작하게 된다. 물에 반사되어 비춰진 하늘빛이 어두워보인다. 주인없는 곤돌라가 더욱더 외롭게 보여진다.

클로드 모네(Claude Monet, 1840-1926)는 1871년 아르장퇴유(Argenteuil)에 처음으로 집을 구한 이후 1926년 지베르니(Giverny)에서 사망하기까지 많은 돈과 시간을 꽃이 있는 정원에 투자했다. 1890년대에 경제적인 성공을 거둔 이후로 그는 1893년 지베르니에 이사를 했으며 이곳에 정원을 조성하며 이 일본식 다리를 놓았다. 하지만 초목들이 다 자라 모네가 원하던 형태의 정원이 완성되기까지는 몇 년이 걸렸고, 이 다리를 그리기 시작한 것은 1899년 이후였다. 1899년 6월 그는 일본식 다리의 풍경을 주제로 하는 연작을 시작하여 18개의 연작을 제작하였다.   연못바닥 곳곳에 비춰지는 하늘과 이를 더해주는 따스한 햇빛은 정말 개운한 느낌이다.

클로드 모네(Claude Monet, 1840-1926)는 1871년 아르장퇴유(Argenteuil)에 처음으로 집을 구한 이후 1926년 지베르니(Giverny)에서 사망하기까지 많은 돈과 시간을 꽃이 있는 정원에 투자했다. 1890년대에 경제적인 성공을 거둔 이후로 그는 1893년 지베르니에 이사를 했으며 이곳에 정원을 조성하며 이 일본식 다리를 놓았다. 하지만 초목들이 다 자라 모네가 원하던 형태의 정원이 완성되기까지는 몇 년이 걸렸고, 이 다리를 그리기 시작한 것은 1899년 이후였다. 1899년 6월 그는 일본식 다리의 풍경을 주제로 하는 연작을 시작하여 18개의 연작을 제작하였다. 연못바닥 곳곳에 비춰지는 하늘과 이를 더해주는 따스한 햇빛은 정말 개운한 느낌이다.

1897년 클로드 모네(Claude Monet, 1840-1926)는 지베르니의 정원 안에 있는 독립된 건물 안에 마련한 두 번째 스튜디오로 작업실을 옮겼다. 그는 이곳에서 봄, 여름에 시작했던 작품들을 마무리할 수 있었는데, 이 작품들에 《지베르니 부근의 센 강변》도 포함된다. 이 작품은 1896년 여름에 시작하여 1897년에 완성되었다. 56세의 모네는 지베르니를 흐르는 센 강의 지류를 새벽 풍경에 담아 연작으로 그리기 시작했다. 60이 다 된 나이에도 불구하고 모네는 태양이 뜨기 이전의 모습을 담기 위해 새벽 3시 30분에 일어나 이슬이 맺힌 평원을 가로질러 걸었다. 오직 이 방법을 통해서만이 하늘의 색채가 변화하고, 안개가 아직 남아있는 새벽의 순간을 포착해낼 수 있었다. 푸르른 하늘의 이미지가 깨끗한 분위기를 연출해준다. 가슴까지 시원해지는 느낌이다.

1897년 클로드 모네(Claude Monet, 1840-1926)는 지베르니의 정원 안에 있는 독립된 건물 안에 마련한 두 번째 스튜디오로 작업실을 옮겼다. 그는 이곳에서 봄, 여름에 시작했던 작품들을 마무리할 수 있었는데, 이 작품들에 《지베르니 부근의 센 강변》도 포함된다. 이 작품은 1896년 여름에 시작하여 1897년에 완성되었다. 56세의 모네는 지베르니를 흐르는 센 강의 지류를 새벽 풍경에 담아 연작으로 그리기 시작했다. 60이 다 된 나이에도 불구하고 모네는 태양이 뜨기 이전의 모습을 담기 위해 새벽 3시 30분에 일어나 이슬이 맺힌 평원을 가로질러 걸었다. 오직 이 방법을 통해서만이 하늘의 색채가 변화하고, 안개가 아직 남아있는 새벽의 순간을 포착해낼 수 있었다. 푸르른 하늘의 이미지가 깨끗한 분위기를 연출해준다. 가슴까지 시원해지는 느낌이다.

영국 런던 및 네덜란드를 여행하고 돌아온 클로드 모네는 1871년 말에 파리에서 멀지 않은, 센 강변에 위치한 작은 마을인 아르장퇴유에 정착했다. 사실 파리에서 지내는 것보다 아르장퇴유에서 지내는 편이 그에게 있어서 경제적으로 덜 부담이 되었지만, 그럼에도 불구하고 그는 한동안 파리에 아틀리에를 마련해 두고 매일 두 곳을 왕복했다. 그러나 모네는 곧 아르장퇴유에서의 삶에 빠져 들게 되었고, 이곳 풍경들 속에서 자신의 작품에 그릴 수많은 모티프들을 발견할 수 있었다. 특히 드넓게 펼쳐진 경작지와 포도밭 사이로 구불구불 이어진 길들, 센 강가와 개양귀비가 피어 있는 들판의 산책로, 철교 등이 그에게 있어서 매력적인 작품의 소재가 되어 주었다. 또한 선상 아틀리에에서 그는 출렁이는 회색 빛의 강물의 모습이나 폭풍우로 요동치는 날씨 속에서 흔들리는 배의 움직임을 관찰했으며, 바람이 부는 풍경이나 찰랑거리는 물결의 움직임 등을 선명하면서도 분절된 붓 터치로 표현했다.

영국 런던 및 네덜란드를 여행하고 돌아온 클로드 모네는 1871년 말에 파리에서 멀지 않은, 센 강변에 위치한 작은 마을인 아르장퇴유에 정착했다. 사실 파리에서 지내는 것보다 아르장퇴유에서 지내는 편이 그에게 있어서 경제적으로 덜 부담이 되었지만, 그럼에도 불구하고 그는 한동안 파리에 아틀리에를 마련해 두고 매일 두 곳을 왕복했다. 그러나 모네는 곧 아르장퇴유에서의 삶에 빠져 들게 되었고, 이곳 풍경들 속에서 자신의 작품에 그릴 수많은 모티프들을 발견할 수 있었다. 특히 드넓게 펼쳐진 경작지와 포도밭 사이로 구불구불 이어진 길들, 센 강가와 개양귀비가 피어 있는 들판의 산책로, 철교 등이 그에게 있어서 매력적인 작품의 소재가 되어 주었다. 또한 선상 아틀리에에서 그는 출렁이는 회색 빛의 강물의 모습이나 폭풍우로 요동치는 날씨 속에서 흔들리는 배의 움직임을 관찰했으며, 바람이 부는 풍경이나 찰랑거리는 물결의 움직임 등을 선명하면서도 분절된 붓 터치로 표현했다.

1432년경~1436년경 일 사세타의 작품  동방박사의 여행, 동방박사의 경배가 그려진 그림의 일부조각 이다. 하늘의 밤을 그린듯한 어두운 색채와 여행자와 같은 방향으로 날아가는 새들은 길고긴 여행길의 고단함과 시간을 말해주는듯하다.

1432년경~1436년경 일 사세타의 작품 동방박사의 여행, 동방박사의 경배가 그려진 그림의 일부조각 이다. 하늘의 밤을 그린듯한 어두운 색채와 여행자와 같은 방향으로 날아가는 새들은 길고긴 여행길의 고단함과 시간을 말해주는듯하다.

이 작품 속에서 밤하늘은 많은 부분을 차지하고 있다. 코발트 블루로 채색된 하늘은 다소 즉흥적인 방식으로 넓은 붓에 의해 강렬하게 칠해졌다. 수평 방향으로 넓게 칠해진 붓 터치는 왼쪽에서 오른쪽으로, 그리고 약간 위쪽으로 향해 있는데, 이를 통해 반 고흐의 작업 과정을 알아볼 수 있다. 북두칠성을 포함하고 있는 큰곰자리 모티프는 밤하늘에 넓게 자리잡고 있는데, 방사형으로 칠한 별의 가운데 부분에 흰색 물감을 튜브에서 직접 짜내어 바름으로써 하이라이트 효과를 주었다. 이렇게 운집되어 있는 밤하늘의 별무리들 중에서 몇 개는 마치 꽃과 같은 모양으로 생생하게 그려져 있음을 알 수 있다.  기분좋은 맑고 푸르른 밤을 느낄수있다. 좀 많다고 느낄법한 별의 느낌은 하늘과 강을 하나로 만들어주는 듯하다.

이 작품 속에서 밤하늘은 많은 부분을 차지하고 있다. 코발트 블루로 채색된 하늘은 다소 즉흥적인 방식으로 넓은 붓에 의해 강렬하게 칠해졌다. 수평 방향으로 넓게 칠해진 붓 터치는 왼쪽에서 오른쪽으로, 그리고 약간 위쪽으로 향해 있는데, 이를 통해 반 고흐의 작업 과정을 알아볼 수 있다. 북두칠성을 포함하고 있는 큰곰자리 모티프는 밤하늘에 넓게 자리잡고 있는데, 방사형으로 칠한 별의 가운데 부분에 흰색 물감을 튜브에서 직접 짜내어 바름으로써 하이라이트 효과를 주었다. 이렇게 운집되어 있는 밤하늘의 별무리들 중에서 몇 개는 마치 꽃과 같은 모양으로 생생하게 그려져 있음을 알 수 있다. 기분좋은 맑고 푸르른 밤을 느낄수있다. 좀 많다고 느낄법한 별의 느낌은 하늘과 강을 하나로 만들어주는 듯하다.

“나는 봄의 소나기를 바라보고 있다. 그리고 지금 이 순간, 내 눈은 봄비가 내리는 풍경만을 위하여 존재한다. 파릇파릇 돋아나는 초록의 잎들과 꽃이 만발한 나무들이 있는 풍경 속의 비와 무지개만을 내 눈이 느낄 수 있게 하기 위함이다.”  뭔가 봄이라는 이미지를 갖기에는 하늘에 조화가 너무 딱딱하고 어둡다. 아니 어떤면에서는 신비로운 우주의 느낌도 갖고있다. 밀레는 오히려 이런 새로운 계절의 시작을 알리는 의미로 신비한 느낌의 하늘을 연출하고싶었던 것일까?

“나는 봄의 소나기를 바라보고 있다. 그리고 지금 이 순간, 내 눈은 봄비가 내리는 풍경만을 위하여 존재한다. 파릇파릇 돋아나는 초록의 잎들과 꽃이 만발한 나무들이 있는 풍경 속의 비와 무지개만을 내 눈이 느낄 수 있게 하기 위함이다.” 뭔가 봄이라는 이미지를 갖기에는 하늘에 조화가 너무 딱딱하고 어둡다. 아니 어떤면에서는 신비로운 우주의 느낌도 갖고있다. 밀레는 오히려 이런 새로운 계절의 시작을 알리는 의미로 신비한 느낌의 하늘을 연출하고싶었던 것일까?

. 어둠 속에서 해가 막 떠오르는 풍경을 담은 이 그림에는 검은색이 전혀 사용되지 않았다. 검은색을 쓰지 않고도 충분히 어둠을 표현할 수 있다는 사실은 매우 혁신적인 실험이었다. 그런데 이런 실험들이 비평가와 관객을 불편하게 만들었다고 할 수 있다. 밤은 검은색이라고 믿는 이들에게 색채는 빛의 문제일 뿐이라는 과학적 설득이 당장은 받아들여지기 어려웠다. 이 그림은 확연하게 터너나 컨스터블 같은 영국 화가들의 기법을 연상시킨다. 모네는 뚜렷한 사물의 형상을 통해 풍경을 나타내려고 하지 않고 빛과 그림자 효과를 통해 인상을 전하려고 했다. 이 그림에서 바다와 하늘을 구분하는 것은 색채다. 붉은 빛이 도는 하늘과 푸른 바다는 서로 겹치면서도 묘한 대조를 이룬다. 여기에서 태양이 가장 밝은 것처럼 보이지만 실제 명도를 따져보면 하늘과 거의 차이가 없다. 제목은 해돋이지만, 필자가 보기엔 거의 일몰에도 가까운듯 하다. 극 사실주의를 표현하고싶어서 인지 우리가 상상하는 일출은 현실과…

. 어둠 속에서 해가 막 떠오르는 풍경을 담은 이 그림에는 검은색이 전혀 사용되지 않았다. 검은색을 쓰지 않고도 충분히 어둠을 표현할 수 있다는 사실은 매우 혁신적인 실험이었다. 그런데 이런 실험들이 비평가와 관객을 불편하게 만들었다고 할 수 있다. 밤은 검은색이라고 믿는 이들에게 색채는 빛의 문제일 뿐이라는 과학적 설득이 당장은 받아들여지기 어려웠다. 이 그림은 확연하게 터너나 컨스터블 같은 영국 화가들의 기법을 연상시킨다. 모네는 뚜렷한 사물의 형상을 통해 풍경을 나타내려고 하지 않고 빛과 그림자 효과를 통해 인상을 전하려고 했다. 이 그림에서 바다와 하늘을 구분하는 것은 색채다. 붉은 빛이 도는 하늘과 푸른 바다는 서로 겹치면서도 묘한 대조를 이룬다. 여기에서 태양이 가장 밝은 것처럼 보이지만 실제 명도를 따져보면 하늘과 거의 차이가 없다. 제목은 해돋이지만, 필자가 보기엔 거의 일몰에도 가까운듯 하다. 극 사실주의를 표현하고싶어서 인지 우리가 상상하는 일출은 현실과…